New Age爲什麼是介乎古典和純音樂之間的音樂，New Age 早期的音樂形態是以環境音樂(Ambient Music)爲基礎演變而成，但顯然受到古典以及傳統純音樂的影響比較多，所以我們這樣界定。而且把它分成了三類：自然樂器演奏，電聲樂器，以及前二者的混合。
NewAge發展到80年代之後， 許多年輕樂手 (搖磙派/融合派) 放棄了電子音樂的華而不實，重投Acoustic(即以傳統自發聲樂器演奏)。人們開始放棄了物質世界的追求，投向追求理性自然的生活，追尋心靈的滿足。因此80年代中期，以尋求心靈與自然滿足的NewAge Music發展已經逐漸成熟， 不僅延續修身的冥想，並且不斷加入重視環保、闡揚人文思想、關懷世界的理念，因而奠定它自成一派的寬大視野。
總之，不管對New Age怎樣定義，怎樣分類，我們的出發點依然是音樂本身，這纔是我們關注的主題，上邊都是扯淡。值得重申的是：這是一個推薦貼，並且強烈的包含了作者個人喜好。由於個人水平，部分音樂家還不能嚴格的作出分類，僅作參考。
- Classic River-
專輯名稱：Classic River靡音閣音樂採編系列之十一
專輯歌手：Various Artists
發行日期：2007.07.31
專輯風格：New Age
壓縮比率：320Kbps
專輯介紹：
本輯定名爲,並分兩個部分分別詮釋New Age音樂的淡靜憂傷（純爲個人主觀喜好）以及澎湃壯美。
第一部分名爲，曲目以Solo Piano爲主。這也是當今最受歡迎的表現形式之一。廣爲人知的如kevin kern，GeorgeWinston，Joe.Hisaishi，Jim Brickman，Yiruma，Danny Wright，SuzanneCiani等等名家，但受專輯容量限制很多的經典名曲不能一一收錄，而考慮到與主體的符合，選擇了一些同樣傑出但國內並不熟知的音樂家的作品。如Shardad Rohani，Bill Douglas，Brian Crain，Asha，MichaelNyman等的作品，我相信他們的作品一樣會受到大家的歡迎和喜歡。強烈建議，本輯爲寧靜並帶有淡淡憂傷的作品，希望樂友們高興的時候少聽，人多的時候少聽，白天少聽（算是個人觀點吧）。這裏包含了很多的音樂心情，不同的人會品味出不同的味道，更多的音樂感受我就不繼續笨拙的拋磚了，歡迎大家細細聆聽，跟貼交流音樂感受。
第二部分名爲[tr],應該說與上一碟表現了另一種截然不同的主題，氣氛不再帶有憂傷，轉而顯現清新高遠，激情豪邁，表現山河的壯麗，生活的美好。從這個意義上講，選用Yanni的Live曲目那是再合適沒有了，所以在選曲上有些偏倚，如果你去看過Yanni的紫禁城音樂會，你就會發現，NewAge也是可以這樣來演繹的，象古典音樂會般的管絃隊伍，卻融合了現代音樂的電子器樂，層迭的鍵盤，架子鼓，還有很現代的女聲配音（可惜我是沒機會看到）。這裏還選了3首女聲曲目，也是大家熟知的了，人們一度把SarahBrightman等人聲演唱歸入流行類別，不過從音樂風格上說，這些是屬於NewAge的，這個很明顯，我覺得並不需要置疑。除此之外，在選曲的時候，終於還是未能免俗，選入了部分廣爲人知的曲目，如Bandari,Enya的作品。也許是音樂家名氣過盛，作品聽來竟也帶來了流行的味道,本輯考慮到廣大樂友的認知度差異，適當並謹慎的選取了部分名家的不常聽到的曲目，而部分堪稱傑作只因過於經典氾濫的曲目未敢收入。在此要弱弱的抱歉和遺憾一下。然後要特別主觀的提一下S.E.N.S。這是來自JAPAN的一個配樂組合，個人覺得很優秀（如果喜歡可以下載本人簽名裏的文件，廣告一下）。最後一部分大家也許已經看到了，作曲家是中國人，沒錯，這也算是特意安排的一個內容，在NewAge獲得普遍發展和流傳的當今，我國的NewAge音樂雖然與世界知名的象凱爾特音樂等還有些差距，但已經取得了很好的成績，創作了很多經典的作品。這裏選取了內地鋼琴家林海，香港作曲家鮑比達，以及臺灣的排笛演奏家張中立的作品。而在《無間道》裏的一首配樂《再見警察》，也很得神韻，一併推薦。[/COLOR][/B]
Solo Instrumental(獨奏樂器)
這種音樂通常是音樂家們經由民間音樂激發的靈感而創作，其演繹通常是純樂Windham Hill和Narada就是以這類作品著名的廠牌。由於本人喜歡Solo Piano，這裏就重點介紹鋼琴作品。
Kevin Kern
凱文對大家來說應該是再熟悉不過的了，且他的作品每張都具有極高的收藏價值，《綠鋼琴》一片，在當時開啓新世紀鋼琴前所未有的「田園派」風格，在濃濃的青草香氣中，你彷彿能呼吸到充滿透明感的空氣，蘊含着滿滿的自然生命力。這不僅是凱文.柯恩跨入樂壇的個人成名作，也是新世紀鋼琴史上最重要的十張專輯之一。
專輯中收錄了《穿過樹蔭》(《Through thearbor》)等10首音樂，全部是純鋼琴音樂。不帶修飾的優美鋼琴音色給人帶來非常優美清澈、純淨高雅的感覺，就象兒時我們在田野裏奔跑，聞着麥穗的清香、聽風在歌唱。專輯的錄音相當細膩講究，鋼琴的高音呈現出晶瑩亮麗的質感，每個音符都讓你心神悸動，這不僅是凱文•柯恩跨入樂壇的個人成名作，也是新世紀鋼琴史上最重要的十張專輯之一。
KevinKern一生下來就在朦朧的視覺下，依靠觸覺和感覺來摸索世界，正因如此，他反而多出一份其他鋼琴師無法模仿的細膩與敏感，視覺對他而言，只能以「回憶」兩字來形容，他必須靠着點字樂譜學習樂理，靠着觸摸來找尋琴鍵，求學的過程更是屢受閉門羹的打擊，然而「上帝關了這扇門，一定會爲你重開一扇窗。」種種的磨練，給予了KEVIN KERN達觀的性格，磨出優於常人的音感，與對音樂的敏銳直覺。
上天或許對KevinKern開了一個玩笑，讓他的眼睛看不清楚，但祂並沒有奪走他的一切，反而給予他更加敏銳的觸覺和靈巧的手指，在蒙朧的視覺下，倚靠觸覺和一顆細膩易感的心，來感受他所身處的世界，自然流露出在對生命細微的觀察，將心中最美麗的世界，透過曼妙的琴聲傳遞給人們。他用鋼琴唱出心思和哲學，豐富的音樂表情，隨着輕柔的旋律，帶領聽衆進入他細膩卻豁達的音樂世界。除了音樂，他還擅長用語文描述自己透過聽覺感受到的世界，也造成了他後來用音樂寫詩的特質。
Kevin Kern曾說：「相信你自己，相信存在是無限的。」，他不僅實現了他的夢想，也把這個夢帶給大家。
有人說kevin的作品比較傾向於古典音樂的旋律，並想知道哪位作曲家對他的影響最多。Kevin說：主要是巴赫，他看起來象一座金字塔，不需要灰漿就能把石頭堆砌起來... ...
有人說Kevin的作品可以和經典的古典音樂媲美，在聆聽中揣測這其中包含了哪位大師的風格。也可能就像Kevin自己說的，最多的還是巴赫。
有這樣一句話：一張從心底觸動靈魂感官的鋼琴音樂，他的雙眼幾乎看不見，但是他的音樂卻意外的澄清剔透……也許正是因爲看不見這個渾濁的世界，所以他有一顆清澈的心，能夠描繪這樣清澈的音樂，很難有幾個人能把鋼琴音樂演奏得這樣純粹，徹底，寧靜。當我一遍遍聽着他的曲子的時候,我想我感受到了一些音樂家的心靈聲音.
Yiruma
這個韓國鋼琴家所描繪的都會愛情感人至深，其動人的旋律及音樂中所勾勒出愛情的甜美及
耽溺，隨即觸動了觀衆的心。因一首When The Love Falls在韓國成名，Kiss The Rain所演繹的另一種音樂氛圍更是讓無數的男女們傾心，在極短時間內在流傳甚廣。《From the yellow room》個人感覺很好.
The Daydream
<I Miss You >
這個神祕的老頭雖然不是個多產的音樂家，但總算已經有三張碟了，但一直鍾情於這張，也許是聽的時間最長吧，高一的時候看到專輯封面很有意思就買了，當時還不知道什麼New Age.
George Winston
<Thanksgiving >
1949年生於美國密西根州的作曲家兼鋼琴家喬治•溫斯頓（GeogreWinston），自1972年錄製個人首張演奏專輯《Ballads&Blues》至今，其柔美優雅極富文人氣息的清新曲風，使喬治•溫斯頓已成爲新時代音樂界中極具代表性的卓越人物。《秋季》專輯，喬治•溫斯頓以極其柔美優雅的琴聲，描繪出深秋的迷人景緻，使聆聽者感受自然的美景，沐浴在秋天的氣息之中。
美國北部蒙大拿洲的成長經歷對於George Winston有着重要的意義，那裏人口稀少，工業不發達，空氣清新，流水潔淨，未受污染，是美國大陸最清潔之州，這似乎給George Winston的音樂帶來了無窮的空靈之韻，四季分明的轉變啓發了他的創作。
1980年，31歲的GeorgeWinston以其非凡的才思創作了他自己一生中最重要的四季系列唱片第一部《Autumn》（四季系列唱片：《Winter intoSpring》、《Autumn》、《December》、《Summer》），這也是New Age史上石破天驚的一張概念唱片，也使他成爲SoloInstrumental的第一人。相對來說《Winter into Spring》（冬去春來/辭冬）並不算GeorgeWinston最出色的作品，但也足以讓我們一窺George Winston以自己的方式定義的New Age音樂。
行雲流水般的琴聲宛若天籟，有着在草原的微風裏極目遠眺的愜意。夜裏聽見筍的拔節聲，風捲過原野上搖曳的青草，冬日裏那些滯呆的、笨重的都次第走遠，欣欣然的一個懶腰裏一切都在甦醒。George Winston的鋼琴Solo裏帶出了那一絲凜冽的清寒，聽得見的復舒生機，聽得見的鶯飛草長。此時我們再回頭去看樑遇春的那些文字或者就不覺那麼矯情了，那些感覺該是在文字以外的，在斜斜的春雨裏，在細細的柳風中。
Suzanne Ciani
<Meeting Mozart >
SuzanneCiani曾四次獲得葛萊美音樂獎的提名，她被美國樂壇喻爲「…自然，純淨，彷佛是潛意識裏最嚮往的溫柔」。蘇珊的音樂創作表達出她個人獨有的成熟、創新風格，最難得的是：自她發行首張個人專輯至今十六年來，她的音樂始終富有情感，而不是充滿匠氣的表現。典雅唯美的鋼琴，與新世紀電子合成音樂（NewAge）之間，原本很可能會是一種妥協的關係，但蘇珊•希雅妮卻將二者完美結合，雖然音質旋律變化無窮，而音樂表情卻是控制自如，因爲對音樂的深刻體認，使得她能善用這樣的語言，去述說女人對感情的無限依戀，同時維持一種純淨自然的生命情懷。
個人覺得《低語輕訴》系列很經典，這張是精選集。
Jim Brickman
儘管吉姆.布里克曼接受的是古典音樂的教育,但他更喜愛演奏帶有流行音樂風格的、輕柔的、抒情的NEWAGE音樂，他獨特的作曲充滿着激情，結構嚴謹卻不呆板, 在樂壇Brickman素有「鋼琴詩人」之稱,聽過幾張他的專輯，的確是走抒情路線的
Shardad Rohani
半年前在驢上找到這樣專輯,<Encore onIvory>,我聽過MP3版的,極好,但這樣無損恁是拖不下來,至今半年過去,一直停留在98%,估計已經斷源,很遺憾.<BeautyOf Love>也是很不錯的專輯了,Connie's Butterfly 是我最喜歡的曲子之一.推薦.
Phil Coulter ，David Lanz
這兩位一起說，Phil Coulter ，David Lanz都是很純正的鋼琴演奏家，以前也曾聽過他們的專輯，但記憶年久失修，不記得什麼概念了，留空，等高人補白，剩下的我就不一一說了，Danny Wright， Brian Crain等等
Max Lasser's Ark
瑞士籍吉他演奏家Max Lasser，巧妙運用各種不同形制的吉他，靈動的混合鍵盤，鼓，木琴等樂器，編排出十一首不同風格的優美樂曲。我聽了,感覺跟其他的吉他專輯有很大不同.
資源由風姿花傳發佈,在此感謝.
Contemporary Instrumental(電子)
在ContemporaryInstrumental音樂中蘊含着New Age音樂中的激進電子樂（ProgressiveElectronic）的美學，但是它卻更多的來自於廣泛的情感和風尚。激進電子樂講求的是豪華、精細以及宏大的作曲，而ContemporaryInstrumental卻自由得多，以至於其作曲很簡潔、沉靜，也有加入明顯的個人獨奏以加強其旋律上的可聽性。
Vangelis
我是因爲Chariots.Of.Fire認識的Vangelis，但很顯然，Vangelis在電影配樂上也有突出的成就，他所賦予的Conquest of Paradise (1992)，氣勢恢弘，完全展現了征服天堂的壯景.
Karunesh
1984年，他的第一張專輯發行了，並迅速成爲“新古典音樂”市場中銷量最好的一張專輯。而在接接下的一年內，他的另5張專輯也同樣取得了叫好的銷售業績，其中就包括了, 和。作爲第一個把世界音樂緊密融入世紀音樂的藝術家，他的作品贏得了無數的榮譽和尊敬。憑着450000張CD的銷售量，Karunesh確立了自己在世界頂尖NewAge藝術家之間的地位。1992年移居夏威儀。
這是一張當代人所熱衷的專輯，他引導着世界音樂發展的方向。那有着異國情調的節奏和神祕的部落人聲哼唱完美地融合在一起，緊緊地把你的心掏住,讓你體驗了一個鐘頭的環球音樂之旅。
Kitaro
可以說，早在７０年代便開始致力於研究電子合成音樂的喜多郎（ｋｉｔａｒｏ），是Ｎｅｗ Ａｇｅ音樂的首席代表，他的作品有着日本Ｎｅｗ Ａｇｅ音樂開路先鋒的獨特風格。將古典、流行、爵士融入電子音樂，人們城之爲新音樂的先驅
《絲綢之路》系列的推出以及佳作《敦煌》的面世，都讓國內的聽衆備感親切。對中國題材音樂如此情有獨鍾，難怪喜多郎先生一直堅持“中國文化纔是日本文化的根”。
沉浸在喜多郎的音樂宇宙裏，你就會發現自己猶如沉醉於自然萬物的流動韻律，只要閉目聆聽，便有意想不到的美妙天籟應運而生了。
如果此刻你正打開音響感受喜多郎，那麼你發現流淌在你周身的音樂給你帶來什麼變化了嗎？請同樣好好感受這一次——自己的深呼吸……
Enigma
Ｅｎｉｇｍａ（謎）這支來自德國的樂隊，是早期准許引進內地的國外音樂之一。對於Ｅｎｉｇｍａ來說，他們喜歡用現代電子樂來表現神祕主義的主題，使人產生一種時空交錯的奇妙感覺。樂曲中的人聲也非常美妙：女聲亮麗動人，如夜鶯一般悅耳；男聲低沉隱約，令人着迷。這是一種天生的美國式的聖歌，一種通過西方流行音樂節奏表現出來的遙遠的非洲部落或嚴肅的宗教的回聲。
１９９０年首張發行的Ｅｎｉｇｍａ大碟《神祕古國之聲》（Ｓａｄｎｅｓｓ Ｐａｒｔ）中，有着中世紀教堂唱詠以及極具誘惑力的女聲獨白，電影配樂式意境在Ｈｏｕｓｅ Ｂｅａｔ上，構成宗教意味加神祕色彩的舞曲……
Oliver Shanti
很顯然這個德國人的音樂天賦是驚人的，他所觸及的領域給NEW AGE音樂帶來了新的啓示，世界融合音樂，抑或我們聽到美妙女聲，也有宗教哲學氣息，迷幻冥想的無垠想像。
德國另類音樂傳奇人物Oliver Shanti，一位曾浪跡天涯的吉普賽後裔，在德國成立了備受好評的SATTVAMUSIC。他的音樂，一邊牽起了所有東方的、民族的、哲理的古生命元素，一方牽起了完全的西方的、新時代的、叛逆的創世紀思維！從跑船人到創立SATTV MUSIC王國，奧立佛•香提正以滲透生命最初靈的原聲燎掀世界音樂排行榜的狂焰！
Medwyn Goodall
可能《女巫醫》本身遠比它的作曲新紀元音樂全才梅德溫來的更有名氣。該專輯的樂器演奏，運用南美的輕鬆節奏，直笛、鍵盤及敲擊樂器演出天籟之音，讓人閉上眼可以想象出一幅熱帶雨林的奇異景色，百聽不厭。梅德溫說：“我的音樂使人們減輕壓力並放鬆精神，它具備某種精神和你心靈深處的靈感，它具有震動的音調，不猛烈的節奏。我的音樂與其說是我的創造，不如說是對靈魂的洗滌。我不想讓人們睡覺而是讓他們進入能做任何事情的夢境；鼓勵他們發揮他們自己的創造力。”好，就拿最出名的說事，推薦這張。（其他的作品請參考由本人發的Medwyn
Goodal合集http://bbs.VeryCD.com/topics/468217/）
Mike Oldfield
MikeOldfield(麥克•歐菲爾德)自從推出《TubularBells》之後，就成爲當代的電子音樂大師。其實說他是電子音樂的大師，也是有點奇怪的，因爲雖然MikeOldfield利用電子音樂來創作，但是他的音樂蘊含了許多的元素，從典型的英國民謠、愛爾蘭歌曲、到搖滾歌曲，精緻而多樣，而且他的音樂中也有古典的元素，也使用了傳統的樂器，比如：空心木吉他之類。更難能可貴的是，MikeOldfield每一張作品在風格上都豐富多變。但作爲一個着名的電子音樂大師，無論創作或者演奏，其豐富和多變的內容似乎是符合電子音樂屬於現代的超流行的特徵和氣質。
1973年，Mike Oldfield的首張個人專輯《TubularBells》問世，在這張充滿特殊氣氛、純熟作曲技巧、融合搖滾與民謠曲風的演奏專輯中，他親自演奏了將近三十種樂器，石破天驚的蟬聯英國金榜冠軍長達數個月，全球銷量突破一千六百萬張，並贏得葛萊梅獎最佳演奏曲作曲的肯定。《TubularBells》不僅被驚悚電影經典《大法師》選爲配樂，更可說是New Age音樂的濫觴。三十多年來，MikeOldfield用二十二張專輯實驗了流行、搖滾、情境、電音、交響樂……等豐富多樣的元素、率先探索了居樂特與非洲等世界音樂，也爲虛擬實境的電玩遊戲創作主題音樂、不斷開啓樂迷新的音樂視野！從電玩配樂重回純音樂領域、同時也是Mike
Oldfield加盟環球音樂的首張雙概念專輯《Light+Shade》，融合了簡單和繁複的音樂表現，透過兩種截然不同的音樂類型與情緒，讓樂迷一次體驗《Light》中輕鬆馳放與《Shade》裏神祕多感的音樂個性。爲了這張專輯的錄製，MikeOldfield特地將家中的錄音室設備全部汰舊換新，希望運用最新的錄音科技讓專輯中的每個音符都有最完美的呈現。“Angelique”歌如其名的傳遞如天使般的舒適感受；“Blackbird”裏，Mike Oldfield悠閒彈奏着他的1928年份史坦威鋼琴；“FirstSteps”、“OurFather”、“Sunset”、“Ringscape”則脫胎換骨自先前的電玩配樂作品；爲熱情節奏“Nightshade”演奏貝斯和鼓的Christopher
von Deylen(知名電音製作雙人組Schiller團員之一)則是全輯唯一的特別嘉賓。這張就是著名的“鋼管”系列25週年紀念版啦，據說香港獨立音樂雜誌MCB評選出的百張歐美最具革命性專輯中的一張，而且它也爲當時的獨立廠牌VIRGIN創下了神話版的銷量。
Bliss
● 天堂之樂樂團首張大碟揉合異國情懷展現絕美的音樂結晶
● 來自北歐的音韻邈邈以弛放之聲探討着生命的本質與意義
● 即使閉上眼、捂住耳 您也能在《生命之旅》中熱烈體驗到天人合一的理念
丹麥緩拍電子組合Bliss由製作Marc-George Andersen、Steffen Aaskoven和兩位樂手Tchando、 Alexandra所組成。
因爲一個獨自旅行的年青人經歷了徘徊在生死之間的真實故事，Bliss便於幾年前開始探討來世的問題；生命的本質與意義，並且將相關論點就音樂更爲深入的展開製作工程，而首張大碟《Afterlife》就此問世！根植於西方洋樂、西班牙Balearic島嶼風情、非洲打擊節奏和古典樂曲的編演，同時也在其中找到了恰到好處的平衡。節取自原住民清亮的吟唱、迷離緩緩推送的電子節奏、氣勢磅礡的合成樂音等要素，融合了純正的古典樂基礎，自序曲〈Lento〉就以極爲優雅的小提琴主奏帶出畫龍點睛之效！嗓音極美的女聲也不遑多讓的在〈If
HeavenCloses〉中與原住民部落之聲展現美麗的結合；而聖樂般的〈LostSoul〉則緊緊貼着你我的信念而行！美麗如Bliss，即使閉上眼捂住耳，您也能透過靈魂而熱烈的感受《Afterlife》所傳達天人合一的理念！
坦白說,我是第一次聽這張專輯,感覺讓我喜出望外,從第一首就能明顯的聽出Ambient的味道,剛剛以爲專輯就是這個類型了,突然第二首又給來了個Electronica,外加人聲伴唱,後面更是加入了Chill-Out,流行等等元素,令人賞心悅目.<AfterLife>,網上一般譯爲來世,筆者以爲<來世>這個詞過於凝重,遂名<生命之旅>,希望大家都聽聽.
New Classical(新古典)
這種音樂有兩點：一是受到古典音樂的影響；二是不用通常的古典音樂演繹方式。很多當代的器樂家都是玩古典音樂出生，但是這些人就不贊成古典音樂中的條條框框，而是打破這些束縛，另闢蹊徑，有的就直接將前人的作品拿來按照自己的想法進行重新演繹，這即是新古典。在新古典音樂中除了有來自古典音樂的影響外，還有取自巴洛克、浪漫主義和印象主義等諸多元素。
Maksim
彈指之間在全球掀起鋼琴狂熱、造成一股黑色旋風的“鋼琴玩家”Maksim Mrvica。跨界古典在他的演繹下獲得了巨大成功。
Vanessa Mae
這個女的很不簡單，能因一張專輯同時領取古典與流行音樂大獎，那首巴赫D小調觸枝曲及賦格曲拉的甚是瘋狂，我的感覺是，我很擔心小提琴絃會不會斷掉，這張95年發行的《The Violin Player》使她一鳴驚人，專輯在25個國家暢銷
Charlotte Church
這張真的算是老碟了啊,在發的時候我就在想,應該放在哪個區,這張專輯比較早了,1998年的,當時據說CharlotteChurch只有12歲,很顯然時隔多年,這爲當時的小姑娘已經改走搖滾和流行路線了,也就是他們說的,轉型了,但從這張專輯來看結合了古典與人聲的,放在其他音樂區應該是沒錯的.
這張專輯<Voice of anAngel>發行不久,憑藉其天籟般的成熟高音,在英國樂壇迅速竄紅,很快有各類商家找她演唱主題曲,廣告曲目等,並在第二年發行了同名專輯,獲得了巨大成功,不久改唱流行音樂,並嘗試了搖滾,爵士等多種曲風.。當然，時下流行大潮席捲世界各地，要一個紅極一時的歌手安心的作所謂的高尚音樂，確實有很大難度，她的轉型我想應該可以被理解。
Meditation(冥想)
冥想（可以看作是一種高級的打盹方式）。在New Age風行的今日，冥想成爲NewAgers實踐的一種重要方式，同時也產生了配合這種方式的音樂。在NewAge音樂中就有很多的音樂就是專門爲冥想活動而做的（有時是不太適合當音樂來聽的）。這種音樂一般沒有明顯的節奏，音樂上表現地平滑、流暢，使聽者能夠放鬆身心，有時音樂家們也會藉助一些自然的聲效來加強意境的渲染。
Amethystium
Amethystium這個樂隊歷史還不是很長，出道至今有3，4張專輯，當然前3張都取得了巨大成功，這些都先不說了，Amethystium的風格趨向於冥想音樂，然後還有很強烈的太空音樂元素，當然Amethystium也是電子的，但這裏我依舊把它歸在冥想類，推薦這三張專輯，如果覺得麻煩，也可以下聽聽第4張專輯，這是張精選。
Tony O'Connor
對這個冥想大師瞭解不多，也沒聽過，暫留白
Asha
Asha是一位鋼琴作曲家和抒情歌曲作家，其人其樂都充滿熱情，溫柔而個性獨特。Asha以其優美悅耳、振奮人心的器樂而聞名，也被許多人認爲是New Age界最偉大的歌手、歌曲作家之一.也是個人比較喜歡的音樂家了。
Mike Rowland
八十年代初的一天，在Rowland穿過森林的時候，他聽到了一種超脫塵世的、卻又十分恭順的旋律。回到起居室後，Rowland架起磁帶錄音機，儘量依循着記憶將那種旋律彈奏了出來。在用電子合成器混入一些管絃樂音色之後，《The FairyRing》(精靈指環)這張專輯便完成了。Rowland又用家裏的磁帶錄音機將之複製了幾份，隨便地分發到一些朋友和店鋪那裏。從這個不經意的開始，《精靈指環》便被廣泛傳播開來，併成爲迄今爲止最不朽的新世紀專輯之一。80年代，還是磁帶橫行的年代，全球售出超過60萬盤。
New Age Acoustic(人聲)
人聲爲主的新世紀音樂。
Enya
恩雅(Enya)的音樂是天地間最美的心靈對話,她透過《TheCelts》幽靜的民族情懷，《Watermark》清澄的水樣音質,《Shepherd Moons》皎潔如明月的情感，《The MemoryOf Trees》佇立的樹林回憶，從大地、星空、水影、明月、樹叢之間投射出不朽的古老傳奇,映照着愛與夢想滿溢的人生，全球4400萬張專輯銷售，恩雅詩情美感的旋律激發了無數急需翱翔的思緒。以民謠的旋律爲主，電子合成器的意境營造爲輔,襯以古典音樂的思維。
2000年最新專輯《a day withoutrain》，在譜曲創作時純就心情與洞察力着墨，希望藉由最深處的情感來啓發聽者，試着將聽者的情感轉化到恩雅的旋律世界，新作仍由製作人尼奇雷恩與詞曲創作家蘿瑪雷恩這組夫妻檔協力雕琢，新作並未藉助計算機化樂器與衆多的樂師,完全是三人親自動手包辦，營造出當今樂壇最欠缺的溫暖度。
對很多人來說，Enya已經成爲新生代音樂的同義詞。象徵着這一類別中最好的。她的樹之回憶的演繹 充分證明了凱爾特族歌手的榮譽。像ChinaRose 和Hope Has APlace的歌曲用豐富飽滿的音樂層次和高級的錄音效果彌補了傳統民歌的簡單優雅的風格。值得肯定的是，最終的影響力是令人眩目的，無論她用英語、蓋爾語、或拉丁語來唱，Enya都能傳達出一種深奧的含義，輕微地震撼心靈和感官的合一。
Enya,一位愛爾蘭女歌手。由於她創造出來的樂音是那麼的神奇，以至人們直接 用她的名字去代表一種特殊的樂風（NEW AGE）去形容其他藝人所發表的作品。當其他愛爾蘭歌手一窩蜂得到外地發展的時候，她卻依然安居於故鄉——愛爾蘭，樂於與她的根源冥想廝守。不爲別的，在聽這三張的時候，我都有被打動。推薦。
Sarah Brightman
這個我還真不知道怎麼介紹，SarahBrightman的崛起很難說，首先是自己很出色，然後是在重要的時刻遇到大師安德魯•勞埃德•韋伯，跟這位大師結婚以後，他獲得了直接跟歌王多明戈合作的機會。當然，她的成功主要還是靠自己的努力和音樂的天分，大膽嘗試。真正讓她成功是跟韋伯離婚以後，她選擇了做跨界音樂，於是我們看到她幽雅而自信地遊走於古典和流行的邊緣，當之無愧地成爲這個音樂多元年代裏的首席跨界紅伶。關於這張《一千零一夜》，主題很有意義，也是我聽過她的專輯最仔細的一張，《月光女神》是演唱會錄音，跟個精選集差不多
Secret Garden
這個神祕園吧，據說其傷感程度很高，我聽來確實感覺很幽怨，我就不說了，轉一段評論：
神祕園是一支著名的新世紀音樂風格的樂隊，它由挪威作曲家兼鍵盤手（羅爾夫. 勞弗蘭）和愛爾蘭女小提琴手（菲奧諾拉.莎莉）組成。1994年，他們在歐洲歌唱大賽中初次相遇，那時勞弗蘭已是知名的詞曲作家，由於對音樂有着難以想象的相同的理解，他們走到了一起。1995年，他們的探路之作《夜曲》一舉奪得歐洲歌唱大賽冠軍1996年4月推出首張專輯《來自神祕園的歌》大獲成功，影響遍及世界各地。樂隊溶合了愛爾蘭空靈飄渺的樂風以及挪威民族音樂及古典音樂，樂曲恬靜深遠，自然流暢，使人不知不覺便已溶入其中。
Song From A Secret Garden 來自神祕園的歌（1996年4月）
這張專輯風格比較統一，樂曲舒緩柔美，充滿了思憶，不經意之間流露出些許的憂愁，令人不得不沉醉於其中。其中的《田園》（Nocturne）一曲是樂隊的成名作，曾獲95年歐洲歌唱大賽冠軍。《來自神祕園的歌》 （Song From A Secret Garden）在組建樂隊前就在挪威發表並流行。
評論：
SECRETGARDEN第一張專集的傷感能殺死人，讓人象迷失在神祕的叢林裏，黑暗的看不到天，找不到出口，沉溺在這樣的黑暗中，象一個人孤獨的坐在路邊大樹的陰影下，靜靜看路上人來人往，別人看不到你你也不想被看到，因爲你害怕，因爲你孤獨，你知道這不是什麼好事，但只有這樣，受傷的心才能感到一絲安全，這樣的孤獨一直在誘惑你。。。
Loreena McKennitt 
話說民謠天后Loreena McKennitt屬於celtic音樂的一支，其他的也木什麼好說的。
（民族混合）
實際上是將世界音樂與新世紀音樂徹底得融合
說到這個民族音樂，這裏只說說celtic。凱爾特音樂是來自於凱爾特人的音樂。凱爾特人原爲公元前一千年左右居住在中歐、西歐的一些部落集團，經過漫長遷徙來到英倫，其後代今天散落於愛爾蘭、威爾士、蘇格蘭北部與西部山地各處。凱爾特人包括愛爾蘭人、蘇格蘭高地人、威爾士人及康尼士人，他們大多操雙語---英語和本族語（蓋爾語或凱爾特語），除了文字或文物研究可以證明他們之間的族源關係，最直接的方式是傾聽他們的音樂。典型的凱爾特風味，古老、源遠流長，可以聽到提琴、風笛、小豎琴或者兩個風箱的手風琴。在英倫三島、在美洲大陸，只要是在有凱爾特移民後代的土地上面，你就可以找到這樣的音樂。上面介紹的enya,
LoreenaMcKennitt就是其傑出代表。當然還得提到這個Clannad家族樂團，它的存在爲Celtic音樂的推廣起到了很大作用。其他如BillWhelan，Capercaillie，Phil Coulter等等，他們將其分爲GNR CelticCeltic Pop（流行凱爾特）Irish Folk（愛爾蘭民謠） Traditional Scottish Folk（傳統的蘇格蘭民謠） ContemporaryCeltic（當代凱爾特音樂）Celtic Folk（凱爾特民謠）Traditional Irish
Folk（傳統愛爾蘭民謠） CelticNew Age（新世紀凱爾特音樂）等形式。具體不做推薦。
Chill Out(休閒音樂)
Chill Out : 指讓身體及心靈達到一種舒解和暢快的狀態.
Chill Out Music : 故名思義就是可以讓人達到身心舒暢的音樂, 製造歡愉的想像氣氛, 此種音樂的前題必須要是讓聆聽者無負擔.
Lounge : 指讓人達到舒適與休閒狀態的空間.
LoungeMusic : 一種取材來源豐富, 充滿享樂與舒緩的音樂類型, 搭配著時尚的電音節奏(通常是爲 Euro-House Beat),刻意營造出高貴避俗的典雅氣氛. 雖與 Chill Out 音樂合稱爲沙發音樂, 但兩者之間在特徵上還是有某種程度的分野.
Ibiza :位於西班牙旁的地中海中極富盛名的度假小島, 風光明媚,尤其島上的良晨與日落美景更是猶如仙境般的美輪美奐,另外島上到處林立的酒吧及舞吧也是一大特色. 而最重要的是 Ibiza 於其島上的酒吧 Cafe del Mar 同樣成爲 Chill Out音樂的精神象徵.
Cafe Del Mar : 此名詞有雙重意思, 一指 在 Ibiza 島上的著名酒吧, 是許多Chill Out樂迷心目中的朝聖之地. 且同時具有精神與實質上的象徵意義. 另外 Cafe del Mar 也是 Chill Out 樂界一套人人必備的聖經,是由 Cafe del Mar 的駐場 DJ 所挑選, 最具ChillOut 島嶼度假色彩的音樂集結成爲一系列的合輯
CafeMambo : 位於 Cafe del Mar 旁的另外一家同樣播放Chill Out和 Lounge 音樂的酒吧, 目前駐場 DJ 爲前Cafe del Mar 的駐場DJ - Jose Padilla , 而也有唱片公司同樣以該酒吧爲名發行 Chill Out音樂專輯Cafe Mambo.
Ambient : 環境音樂; 於 70 年代所出現的音樂名詞, 創作者以簡約的電子音樂型式製造出一種極具冥想與迷幻狀態的效果.
Dub: 一種與 Reggae 雷鬼樂極爲類似的 節奏(拍), 以朦朧的鼓擊和Bass低音讓聆聽者彷彿置身於一種迷幻壓迫的空間感之中. 另外Dub亦可指某種錄音方式, 所製作出之音樂聲響如同將手提音響置於一偌大的地下停車場中, 再於距離手提音響遠處聆聽所播放的音樂,那種迷朦的回聲空間感著實充滿著 Chill Out 的風味.
Bossa Nova : 一種源自於南美巴西的音樂型式, 它融合了拉丁音樂, 爵士樂與法式香頌, 極富舒適的旋律與節奏, 也讓它成爲了Chill Out & Lounge音樂所常取材的元素之一.
WorldBeat : 指電子取樣(拼貼), 合成樂器或是以當地傳統樂器創造出具有當地特色風味的世界音樂節奏, 如: Afro-Beat, Latin,Salsa, Reggae, Asian Groove 及Indian-Beat等. 通常在 Chill 及 Lounge 音樂之中也常加入World Beat 的型式, 讓音樂中更充滿Peaceful 及 歡愉的世界風味.
Jose Padilla : 爲 ChillOut 音樂界的精神支柱, 可以說全球 Chill Out 風潮是由此人所掀起, 前後歷任 Ibiza 島上知名酒吧 Cafe del Mar及 Cafe Mambo 首席駐場 DJ, 並曾發行過兩張評價極高的創作專輯.
Wagram Music: 法國最爲知名的Lounge 音樂廠牌, 代理與發行許多的 Chill Out 和 Lounge 唱片, 而其中最令樂迷所熟知的是以法國當地著名或五星級酒吧,咖啡廳, Pub, 餐廳及旅館爲主題所發行的一系列 Chill Out 及 Lounge 音樂. 像是 "Bar Fly","BuddhaBar" 和 "Hotel Costes" 等....
沙發音樂 : 臺灣唱片業界所創造出來的音樂新名詞, 泛指 Chill Out及 Lounge 音樂類型.
關於這類音樂，也就是大家熟知的休閒音樂了，象很風行的咖啡系列，Lounge系列等等，當然，這也不是說類型都是比較淡雅的，有的類型一樣涉及到爵士，電子，人聲等。
Windham Hill
23°是人體感覺最舒適的溫度，也是這張專輯即將帶給你的音樂心情：在喧譁都市之上，有一片屬於你的原始森林，流淌的意象、飄渺的天空、飛昇的身體，都沉浸在了悠閒、慵懶，還有一點點詭異和迷離的空間裏……你可以任由思緒虛無縹緲地凌空飄蕩，情感天馬行空地自由飛翔，也可以在迷人的旋律中添上半旬醉意，用迷離的眼神看這世界的五光十色璀璨斑斕……這就是Chill Out音樂的無限魅力。
這張專輯就是WindhamHill公司精心挑選出來的Chill Out音樂。輯中30首ChillOut經典音樂記錄，每一首都具有魔幻般的感染力，天衣無縫的製作更使該輯堪稱不容錯過的ChillOut至尊天碟。CD1"環境音樂"收錄了大衛阿肯斯通的《進入夢鄉》、雅尼的《獻給瞭解的人》、橘色夢境的《冰冷的心》等最具代表性的作品；CD2"原音音樂"收錄了喬治溫斯頓、威爾阿克曼等新世紀音樂家們的精彩演繹。從麥克亨吉斯《裏克奧文之夢》的虛幻、到菲爾考特《水上陽光》的恬靜，從喬治溫斯頓《傾盆大雨》的淋漓、到W.
G.斯納飛沃頓《孤獨》的冷寂……各種風格一一羅列其中。但願你在聆聽的同時，能不經意地感覺到："這音樂真的好舒服，好 Chill Out".
Cafe del Mar
伊比薩(Ibiz),是一個位於地中海西部的西班牙小島,被稱爲"這個星球上最著名的日落景點",同時也是世界知名的舞會派對地點(著名的新世紀音樂組合Enigma就是在此成立的)位於該島海岸邊的Cafe Del Mar是一座可以從海水看到日落倒影的海岸咖啡館.面朝夕陽無限好的橘色日落景象, 結合令人心曠神怡的DJ音樂,使它成了Chill Out 音樂的代名.
1980年初，Del Mar咖啡館建成於依比薩島海岸邊，其極具特色的裝潢建築與令人神往的日落馬上吸引了許多遊客. 伴隨着優美景緻應運而生的音樂文化範圍涵蓋了爵士、藍調、古典、電子等, 自此日落和音樂便成爲Cafe Del Mar的一部分.
1980年代末，以錄音帶方式發表的音樂合輯開始發售;1994年，英國電子音樂廠牌React正式發行以Cafe DelMar音樂爲主題的第一張CD，收錄瞭如Underworld A Man CalledAdam等知名電子音樂藝人的作品.隨着這張合輯的成功,1995、1996年夏季又推出了Cafe Del Mar Vol.2和Vol.3.商業上的成功使得英國寶麗金公司再度於1997 和1998年分別推出了Cafe Del MarVol.4和Vol.5,而這5張合輯共約120萬張銷量.今天Cafe'DelMar除了是Ibiza的代表外，同時也是美麗日落的代名詞，如今更變成了一種音樂的代名詞，甚至爲時尚的談論話題。
二十二個年頭只是Cafe'Del Mar的一個段落,相信二十一世紀是Cafe' Del Mar的另一個開始.Cafe'DelMar除了繼續帶給我們無法抗拒的日落誘惑外,它也將同時帶給我們無法抵抗的音樂魅力。(詳情參考Cafe'DelMar無損全集http://bbs.VeryCD.com/topics/455748/)
S.E.N.S.
這個。。很經典, 這個不解釋。
YanniYanni,不誇張的說，很強大，他做了三場音樂會：希臘雅典衛城，印度泰姬陵和中國紫禁城。同時也產生了三張暢銷專輯，也因爲這三場演出使他在世界範圍內成名。就這樣一個人，MS古典，也象流行音樂，但是卻帶着一個管弦樂團演出，風行着衆多廣爲流傳的曲目。《Reflections ofPassion》，〈Tribute〉〈One Man'sDream〉〈nightingale〉等等曲目，我都很喜歡，堪稱經典。這裏推薦一個精選集，具體情況可以去YANNI的全集裏找，ayalinke同志做的那是相當的全面。Robert
MilesDreamland》在全球21個國家取得了16張白金，12張金唱片的成績，歐洲各國發行的版本都不盡相同，包括1996年BMG(歐洲)/Arista(美國)發行的第一版，1997年在德國發行了Limited WinterEdition（即聖誕版）等。本專輯整理以1996年版爲主，而《One andOne》僅出現在Arista發行的美版中，《4US》僅出現在聖誕版，同時One and One只收錄radioversion,其他版本未收入.Ronan Hardiman《大河之舞音樂》爲愛爾蘭踢踏舞音樂。《大河之舞》是一部結合愛爾蘭舞蹈、音樂與歌曲的藝術盛宴。它成功地發揚了愛爾蘭舞蹈的精華，特別是具有愛爾蘭民族特色的踢踏舞步與優美舞姿，同時與音樂完美地結合在了一起，看後使人爲之動容!《大河之舞》自1994年首演以來便炙手可熱，並且引燃了全球的踢踏舞熱潮，更是被全球藝評人一致推崇爲當代最具愛爾蘭民族風格的經典音樂劇，全劇精心動魄的龐大製作令人歎爲觀止。這場《大河之舞》的百老匯演出實況，由新銳舞王柯林?唐恩(COLINDUNNE)率團演出。榮獲9次世界冠軍的舞王柯林?唐恩以卓越的舞藝與巨星特質著稱於世，他渾然散發出璀璨耀眼的巨星光芒。這次他更是以令人震撼懾服的肢體語言，引領您跨越時空，馳騁於眩目神迷的百老匯舞臺之上。Bill
Douglas這個Bill Douglas的音樂很是不錯，剛開始我還沒太注意，後來不小心聽到。
Chris Phillips是位不錯的鋼琴演奏家,這張專輯中他重新演奏了Yanni,Kevin Kern,George Winston,David Lanz...等名人的曲子,很動聽的集子,我喜歡.
Rick Wakeman
RickWakeman1948年出生於英國。曾於英國皇家音樂學院就讀。他融合鍵盤、古典鋼琴、電子合成器等，甚至被和管弦樂團創作了多張前衛性的音樂專輯。被認爲是搖滾樂界最優秀的鍵盤手,與Deep Purple的John Lord、ELP的KeithEmerson並稱世界三大鍵盤手，一手控制多部鍵盤的功力讓人讚歎。同時,他還曾經創下四架鋼琴連彈的紀錄,一度被人譽爲"鋼琴魔法師"。1974年，推出了一張經典專輯《 Journey to the Center of the Earth》,專輯故事改編自—Jules
Verne的作品,融合了古典管弦樂團及合唱團的配合，營造的是科幻的空靈的氣氛，專輯在英美兩地影響極大，並打入排行榜首位。他的後續作品秉持一貫的音樂風格，陸續推出了《The Myths and Legends of King Arthur and the Knights of the RoundTable》的史詩式概念性專輯。上世紀80年代，Rick Wakeman仍活躍於樂壇，並維持了一定的聲望，還爲1976冬奧會及1982世界盃的影片及一些電影配樂，在和他同時期崛起的70年代搖滾音樂人中他是最爲突出的一個了。身穿白色大披衣，留着一頭金色的細直長髮，Rick
Wakeman彷彿是一位隱者，一位魔法師、一位用音樂迷惑人的魔琴演奏者。
RickWakeman於1970年加入激進派藝術搖滾的Yes樂隊.當時,SteveHowe(1947,吉它)代替了他的位置。Howe的加入使Yes樂隊有了較大的改變，他使樂隊在器樂演奏的時候的和絃變得更加複雜。他們的前兩張專輯Yes和Time And A Word都給人留下了逐漸成熟的印象。不久，由於在樂隊的未來發展方向問題和商業利益上與隊友意見不同，Kaye也離開了樂隊，取代他的是一位鍵盤魔術師--Rick Wakeman(1949,鍵盤)。Wakeman的演奏技巧產生了比Howe更大的影響。不久，Wakeman就成爲了樂隊的領導人物。他們經常在樂曲演奏時自由發揮，使他們的器樂獨奏越來越長。同時人們發現樂隊的風格也更加貼近古典音樂的領域，Rick
Wakeman於1974年離開了樂隊開始個人發展，並取得了巨大的成功。
其他如Dan Gibson, Tim Janis, Kamal , Deuter, Karl Jenkins, Armik, John Tesh , Ron Korb, Giovanni Marradi，Keiko Matsui
等等，由於本人現在很累，個別留到以後再布，更由於個人所知有限，對某些音樂家作品還沒有深入瞭解，這裏不做推薦，留待以後。
這個音樂家所涉及的音樂類型比較多,這兩張偏向於獨奏.
Sally Oldfield
出身在愛爾蘭都柏林的SallyOldfield現年已經54歲了，而在1968年，她就開始了她職業音樂生涯，那時她參加了和她著名的弟弟MichaelOldfield的雙人組合Sallyangie，這個組合同時也讓Michael走上的職業音樂道路。這個樂團一直存在了十年的光景，到了1978年，Sally Oldfield離隊去錄製她的首張個人專輯《Water Bearer》。此後SallyOldfield開始了她個人的音樂旅程，而Michael個人也開始大紅大紫。
SallyOldfield雖然遠不如她弟弟那麼紅，但她在歐洲NewAge以及凱而特領域都有着相當好的評風，其中暢銷單曲“Mirrors”以及她翻唱的他弟弟製作的名曲“MoonlightShadow”都獲得了相當大的成功。而專輯《Flaming Star》是2001年Sally在New Age廠牌NewWorld發行的她最新的一張專輯。
本張專輯由Terry作曲，Sally Oldfield吟唱，基本上屬於標準的凱爾特風格的New Age音樂,原聲音樂,因爲不常見到,就單獨列出,不放在人聲塊了.
Sleepthief
這張發行於今年6月的《The Dawnseeker 尋找黎明》絕對是本年度極致精彩的NewAge天籟女聲專輯之一。很難想象其製作人兼編曲Sleepthief（本名JustinElswick）的正職是個律師，而這張專輯更是他的第一張作品。毫無疑問，這對Sleepthief來說是一個完美的開始，他在整張專輯中體現出來的對音樂的理解和操控能力甚至超過很多專業的音樂人。
Isgaard
揉融“古典美聲唱腔”,“風格世界音樂”及“空靈夢幻電音”於一爐，而自成一格的德國電音天籟女聲新唱將—“伊思嘉”，是現今歐陸樂壇上‘古典跨界流行音樂’的新寵，當她站上歐洲音樂大賽的舞臺上，清麗高吭的美聲，像飄揚在空中的雪花般，翩翩灑落在每一塊乾涸的大地上，立即擄獲所有觀衆的心。
“伊思嘉”無法認同吵鬧不堪的 Techno，也不想沉溺在鬱悶的純古典中，正統歌劇訓練造就了她獨樹一幟的絕美唱腔，而她最想演唱的歌曲，是一般大衆雅俗共賞的流行音樂，我們真的很難把她硬生生地歸類到那一個音樂門派，她的父母幫她取了個像極了冰島人的名字，似乎註定她是天生喜愛雪花要多過豔陽。"Isgaard"的意思是雪花妝點的花園(Ice Garden) ，這個名字跟她音樂呈現出遼闊的空間感，不謀而合。
最後一個大類：Ambient(氛圍、環境音樂)
什麼是ambient music
AMG對Ambient music的解釋是,一種具有空間感的電子樂,常較關注聲音材質,多重複,無歌詞或譜曲.對那些偶爾聽這種音樂的聽衆而言,儘管作曲家的風格可能有很大的不同,他們聽上去卻差不多.
也許是由於它聽上去顯得頗爲深奧以至於不能吸引大量的聽衆.很多Ambient音樂是由一票同時涉足其他音樂形式的音樂家所創作,他們都有不同的傳統或背景:學院派的試驗電子,MinimalMusic,Spacemusic,舞曲音樂,民族電子樂,歌特或工業音樂等等,這種作曲者身份的複雜性很容易導致跨"行業"作業.AmbientMusic的定義從一開始就是極端含混的,後來Ambient更是漸漸遠離了最初所強調那種具象之聲,而用一種更不清晰可辨的手法來處理聲音,更加註重聲音的空間感,色彩和音色,而不再僅僅是侷限再背景節奏,可辨旋律及和聲結構的有或無.
Eno之前 "那些過去不被接受的聲音已被用於音樂創作,音樂界過去的那種寧靜從此被攪渾" "20世紀是音樂革命的時代" ——《音樂中的新方向》David Cope
在荷馬史詩奧德賽中提及的一種叫做"伊奧利亞豎琴"(aeoleanharp)樂器,拿現代的概念看來,通過它產生的音樂可能是最早的Ambient音樂.伊奧利亞豎琴通常被掛在室外,當氣流(風)通過琴絃時便能自動演奏.再後來由教堂管風琴所演奏的音樂也可看作是Ambient音樂,教堂中演奏管風琴的目的不在於讓信衆聆聽,而是讓信徒們的精力更爲集中,並幫助營造那種在佈道時應有的氣氛.這種爲了改變參與者某種狀態的教堂音樂,同當時盛行的音樂大廳或私人室內樂演奏場所的音樂有在功能上有很大不同.這些早就存在的音樂其背後的理念同今天的Ambient
Music有共同之處.
早期的音樂多數只使用五度音程,越來越多的音程在後來被允許使用,如四度,三度和六度等等,到勳勃格的12音音樂(twelve-tonemusic)中更是任何音程都被允許使用.當然這些發展無疑仍是在樂音的線性概念下進行的,一定的音高和具體的時長等等.勳勃格和同時代的其他作曲家如德彪西及拉威爾的突破在於,讓音樂從內心主觀世界(情感世界)向外在客觀世界靠近了一步,有趣的是,這和同一時代的印象派繪畫正好走了相反的路線.
由於本人新近接觸的類型侷限，以下着重介紹一二音樂家。
Brian Eno
BrianEno可謂是Ambient音樂的泰斗級人物了。從1974年的第一張專輯開始，他常青的創作靈感一直延續到30年後的現在。他的身份多重：Ambient音樂的先鋒、魅力搖滾樂者、頂級音樂製作人、多媒體藝術大師。他帶來音樂技術的創新，支持世界音樂的發展，卻又自稱非音樂人士。他通過音樂實踐挑戰音樂理論；通過先思挑戰機緣，通過音藝挑戰音質。此中，Eno改變了音樂的欣賞、創作、表達和感知方式。他的影響力更是超越Ambient，到達punk, techno和new age音樂。
Eno的全名是Brian Peter George St. John leBaptiste de la Salle Eno。他於1948年5月15日出生於英格蘭的伍德布里奇。在藝術學校裏，Eno接觸到當代作曲家如John Tilbury 和Cornelius Cardew，以及簡約抽象藝術家John Cage, LaMonte Young 和Terry Riley 的一些作品。受到Steve Reich卡帶管絃樂作品《雨將至》（It’s GonnaRain）的啓發，修習概念派油畫和聲像雕塑的Eno開始嘗試用卡帶錄音機（Eno稱其爲自己學習的第一件樂器）進行音樂創作。
Eno隨後加入先鋒派表演藝術劇團Merchant Taylor's Simultaneous Cabinet，併成爲即興搖滾樂團MaxwellDemon的和聲兼信號師。1969年Eno加入Cardew's Scratch 管弦樂團，之後又在PortsmouthSinfoni樂團裏吹起了單簧管。1971，他成爲創新魅力樂團RoxyMusic的一員，負責電音合成，並因此成名。但是名氣也給Eno與樂隊焦點人物BryanFerry的關係蒙上了一層霜。在樂隊發行兩張LP（1972年的同名專輯和1973年的For
YourPleasure）之後，Eno離開了Roxy，開始了不同的音樂歷程。
1973年，Eno與Robert Fripp合作錄製了NoPussyfooting。在專輯製作過程中，Eno發明了“磁帶延遲”技法（Eno將其命名爲Frippertronics）---他把Fripp的吉他音樂做了循環延遲，以求通過錄音技藝另闢音樂創作之蹊徑。這種技法爲以後Hip-hop和電子音樂的採樣打下了鋪墊。在此之後，Eno投身於獨立創作，並很快推出了狂野的實驗樂專輯Here Come theWarm Jets，專輯一發行就登上了當時英國榜的Top30。幫助theWinkies樂隊英國巡迴演出暖場的途中，Eno終於病體不支，住進了醫院。
1974年下半年，Eno病癒出院。他來到了美國華人最多的城市之一舊金山。在那裏，他偶然中看到了一套描寫中國革命時期戲劇文藝的賀年卡。Eno受到啓發，創作並推出了1974年的《智取威虎山》TakingTiger Mountain (ByStrategy)。這也是Eno創作史上又一次對自由體抽象波普音樂的嘗試。1975年，Eno遇上了車禍。在臥牀修養的數月中，Eno帶來了一次最具重要意義的音樂創新---氛圍音樂(AmbientMusic)。躺在病牀上的他想用音樂的聲音蓋過暴風雨的喧囂，但是卻不能起身。靈感的火花就在這時點燃：Eno意識到音樂也可以擁有與光和色同樣的屬性，它可以融入特定的氛圍，但卻不會擾亂背景的平衡。基於這樣的認識，Eno在1975推出了簡約風格的Another
GreenWorld，此後，他全身心地投入到氛圍音樂的創作。後來，他又帶來了新的器樂發明：Discreet Music，這亦是他實驗十部曲系列的第一章節。
Michael Nyman
也許更多的時候Michael Nyman是作爲一個原聲配樂家出現的，但他也是一個氛圍音樂的好手，很多人都是從那部《ThePiano》的配樂開始瞭解即而喜愛上了Michael Nyman，或者還是不知道MichaelNyman是何許人，但就是喜歡那張OST。但我以爲《ThePiano》並不是他創作的電影原聲中最好的一張，或者說，不能代表他的音樂創作理念。巧的是，雖然這張OST在當年賣出了幾百萬張的天文數字，但卻在爭奪奧斯卡最佳配樂獎時輸給了John Wiliams的《辛德勒的名單》，可以說是有得必有失的又一個例證。說起JohnWiliams，也算是個骨灰級的配樂大師，但我不怎麼喜愛他，手頭有的《大地雄心》、《刺殺肯尼迪》、《尼克松》等唱片，但都不知在哪個角落沉睡着了，對了，還有《沉睡者》，一樣的遭遇。
說回Michael Nyman，《ThePiano》中雖然也有絃樂，主角是鋼琴，畢竟故事是以鋼琴及其女主人公展開，絃樂方面相對弱了許多，但這也不是最主要的。因爲以音樂的形態而言，《The End of The Affair》、《Gattaca》、《The Cook，the Thief，His Wife and HerLover》更接近於MichaelNyman的極微主義（又稱極簡主義）理念。這裏又涉及到一個新的音樂類型，他也是極微主義的代表人物之一了，這裏就不展開了。
Rick Wakeman
Rick Wakeman1948年出生於英國。曾於英國皇家音樂學院就讀。他融合鍵盤、古典鋼琴、電子合成器等，甚至被和管弦樂團創作了多張前衛性的音樂專輯。被認爲是搖滾樂界最優秀的鍵盤手,與Deep Purple的John Lord、ELP的Keith Emerson並稱世界三大鍵盤手，一手控制多部鍵盤的功力讓人讚歎。同時,他還曾經創下四架鋼琴連彈的紀錄,一度被人譽爲"鋼琴魔法師"。1974年，推出了一張經典專輯《 Journey to the Center of the Earth》,專輯故事改編自—Jules Verne的作品, 融合了古典管弦樂團及合唱團的配合，營造的是科幻的空靈的氣氛，專輯在英美兩地影響極大，並打入排行榜首位。他的後續作品秉持一貫的音樂風格，陸續推出了《The Myths and Legends of King Arthur and the Knights of the Round Table》的史詩式概念性專輯。上世紀80年代，Rick Wakeman 仍活躍於樂壇，並維持了一定的聲望，還爲1976冬奧會及1982世界盃的影片及一些電影配樂，在和他同時期崛起的70年代搖滾音樂人中他是最爲突出的一個了。身穿白色大披衣，留着一頭金色的細直長髮，Rick Wakeman彷彿是一位隱者，一位魔法師、一位用音樂迷惑人的魔琴演奏者。
Rick Wakeman於1970年加入激進派藝術搖滾的Yes樂隊.當時,Steve Howe(1947,吉它)代替了他的位置。Howe的加入使Yes樂隊有了較大的改變，他使樂隊在器樂演奏的時候的和絃變得更加複雜。他們的前兩張專輯 Yes和Time And A Word都給人留下了逐漸成熟的印象。不久，由於在樂隊的未來發展方向問題和商業利益上與隊友意見不同， Kaye也離開了樂隊，取代他的是一位鍵盤魔術師--Rick Wakeman(1949,鍵盤)。 Wakeman的演奏技巧產生了比Howe更大的影響。不久，Wakeman就成爲了樂隊的領導人物。他們經常在樂曲演奏時自由發揮，使他們的器樂獨奏越來越長。同時人們發現樂隊的風格也更加貼近古典音樂的領域，Rick Wakeman於1974年離開了樂隊開始個人發展，並取得了巨大的成功。
其他如Dan Gibson, Tim Janis, Kamal , Deuter, Karl Jenkins, Armik, John Tesh , Ron Korb, Giovanni Marradi，Keiko Matsui
等等，由於本人現在很累，個別留到以後再布，更由於個人所知有限，對某些音樂家作品還沒有深入瞭解，這裏不做推薦，留待以後。
這個音樂家所涉及的音樂類型比較多,這兩張偏向於獨奏.
Sally Oldfield
出身在愛爾蘭都柏林的Sally Oldfield現年已經54歲了，而在1968年，她就開始了她職業音樂生涯，那時她參加了和她著名的弟弟Michael Oldfield的雙人組合Sallyangie，這個組合同時也讓Michael走上的職業音樂道路。這個樂團一直存在了十年的光景，到了1978 年，Sally Oldfield離隊去錄製她的首張個人專輯《Water Bearer》。此後Sally Oldfield開始了她個人的音樂旅程，而Michael個人也開始大紅大紫。
Sally Oldfield雖然遠不如她弟弟那麼紅，但她在歐洲New Age以及凱而特領域都有着相當好的評風，其中暢銷單曲“Mirrors”以及她翻唱的他弟弟製作的名曲“Moonlight Shadow”都獲得了相當大的成功。而專輯《Flaming Star》是2001年Sally在New Age廠牌New World發行的她最新的一張專輯。
本張專輯由Terry作曲，Sally Oldfield吟唱，基本上屬於標準的凱爾特風格的New Age音樂,原聲音樂,因爲不常見到,就單獨列出,不放在人聲塊了.
Sleepthief
這張發行於今年6月的《The Dawnseeker 尋找黎明》絕對是本年度極致精彩的New Age天籟女聲專輯之一。很難想象其製作人兼編曲Sleepthief（本名Justin Elswick）的正職是個律師，而這張專輯更是他的第一張作品。毫無疑問，這對Sleepthief來說是一個完美的開始，他在整張專輯中體現出來的對音樂的理解和操控能力甚至超過很多專業的音樂人。
Isgaard
揉融“古典美聲唱腔”,“風格世界音樂”及“空靈夢幻電音”於一爐，而自成一格的德國電音天籟女聲新唱將—“伊思嘉”，是現今歐陸樂壇上‘古典跨界流行音樂’的新寵，當她站上歐洲音樂大賽的舞臺上，清麗高吭的美聲，像飄揚在空中的雪花般，翩翩灑落在每一塊乾涸的大地上，立即擄獲所有觀衆的心。
“伊思嘉”無法認同吵鬧不堪的 Techno ，也不想沉溺在鬱悶的純古典中，正統歌劇訓練造就了她獨樹一幟的絕美唱腔，而她最想演唱的歌曲，是一般大衆雅俗共賞的流行音樂，我們真的很難把她硬生生地歸類到那一個音樂門派，她的父母幫她取了個像極了冰島人的名字，似乎註定她是天生喜愛雪花要多過豔陽。"Isgaard"的意思是雪花妝點的花園 (Ice Garden) ，這個名字跟她音樂呈現出遼闊的空間感，不謀而合。
最後一個大類：Ambient(氛圍、環境音樂)
什麼是ambient music
AMG對Ambient music的解釋是,一種具有空間感的電子樂,常較關注聲音材質,多重複,無歌詞或譜曲.對那些偶爾聽這種音樂的聽衆而言,儘管作曲家的風格可能有很大的不同,他們聽上去卻差不多.
也許是由於它聽上去顯得頗爲深奧以至於不能吸引大量的聽衆.很多Ambient音樂是由一票同時涉足其他音樂形式的音樂家所創作,他們都有不同的傳統或背景:學院派的試驗電子,Minimal Music,Spacemusic,舞曲音樂,民族電子樂,歌特或工業音樂等等,這種作曲者身份的複雜性很容易導致跨"行業"作業.Ambient Music的定義從一開始就是極端含混的,後來Ambient更是漸漸遠離了最初所強調那種具象之聲,而用一種更不清晰可辨的手法來處理聲音,更加註重聲音的空間感,色彩和音色,而不再僅僅是侷限再背景節奏,可辨旋律及和聲結構的有或無.
Eno之前 "那些過去不被接受的聲音已被用於音樂創作,音樂界過去的那種寧靜從此被攪渾" "20世紀是音樂革命的時代" ——《音樂中的新方向》David Cope
在荷馬史詩奧德賽中提及的一種叫做"伊奧利亞豎琴"(aeolean harp)樂器,拿現代的概念看來,通過它產生的音樂可能是最早的Ambient音樂.伊奧利亞豎琴通常被掛在室外,當氣流(風)通過琴絃時便能自動演奏.再後來由教堂管風琴所演奏的音樂也可看作是Ambient音樂,教堂中演奏管風琴的目的不在於讓信衆聆聽, 而是讓信徒們的精力更爲集中,並幫助營造那種在佈道時應有的氣氛.這種爲了改變參與者某種狀態的教堂音樂,同當時盛行的音樂大廳或私人室內樂演奏場所的音樂有在功能上有很大不同.這些早就存在的音樂其背後的理念同今天的Ambient Music有共同之處.
早期的音樂多數只使用五度音程,越來越多的音程在後來被允許使用,如四度,三度和六度等等,到勳勃格的12音音樂(twelve-tone music)中更是任何音程都被允許使用.當然這些發展無疑仍是在樂音的線性概念下進行的,一定的音高和具體的時長等等.勳勃格和同時代的其他作曲家如德彪西及拉威爾的突破在於,讓音樂從內心主觀世界(情感世界)向外在客觀世界靠近了一步,有趣的是,這和同一時代的印象派繪畫正好走了相反的路線.
由於本人新近接觸的類型侷限，以下着重介紹一二音樂家。
Brian Eno
Brian Eno可謂是Ambient音樂的泰斗級人物了。從1974年的第一張專輯開始，他常青的創作靈感一直延續到30年後的現在。他的身份多重： Ambient音樂的先鋒、魅力搖滾樂者、頂級音樂製作人、多媒體藝術大師。他帶來音樂技術的創新，支持世界音樂的發展，卻又自稱非音樂人士。他通過音樂實踐挑戰音樂理論；通過先思挑戰機緣，通過音藝挑戰音質。此中，Eno改變了音樂的欣賞、創作、表達和感知方式。他的影響力更是超越Ambient，到達 punk, techno和new age音樂。
Eno的全名是Brian Peter George St. John le Baptiste de la Salle Eno。他於1948年5月15日出生於英格蘭的伍德布里奇。在藝術學校裏，Eno接觸到當代作曲家如 John Tilbury 和Cornelius Cardew，以及簡約抽象藝術家John Cage, LaMonte Young 和 Terry Riley 的一些作品。受到Steve Reich卡帶管絃樂作品《雨將至》（It’s Gonna Rain）的啓發，修習概念派油畫和聲像雕塑的Eno開始嘗試用卡帶錄音機（Eno稱其爲自己學習的第一件樂器）進行音樂創作。
Eno隨後加入先鋒派表演藝術劇團Merchant Taylor's Simultaneous Cabinet，併成爲即興搖滾樂團Maxwell Demon的和聲兼信號師。1969年Eno加入Cardew's Scratch 管弦樂團，之後又在Portsmouth Sinfoni樂團裏吹起了單簧管。1971，他成爲創新魅力樂團Roxy Music的一員，負責電音合成，並因此成名。但是名氣也給Eno與樂隊焦點人物Bryan Ferry的關係蒙上了一層霜。在樂隊發行兩張LP（1972年的同名專輯和1973年的For Your Pleasure）之後，Eno離開了Roxy，開始了不同的音樂歷程。
1973年，Eno與Robert Fripp合作錄製了No Pussyfooting。在專輯製作過程中，Eno發明了 “磁帶延遲”技法（Eno將其命名爲Frippertronics）---他把Fripp的吉他音樂做了循環延遲，以求通過錄音技藝另闢音樂創作之蹊徑。這種技法爲以後Hip-hop和電子音樂的採樣打下了鋪墊。在此之後，Eno投身於獨立創作，並很快推出了狂野的實驗樂專輯Here Come the Warm Jets，專輯一發行就登上了當時英國榜的Top30。幫助the Winkies樂隊英國巡迴演出暖場的途中，Eno終於病體不支，住進了醫院。
1974年下半年，Eno病癒出院。他來到了美國華人最多的城市之一舊金山。在那裏，他偶然中看到了一套描寫中國革命時期戲劇文藝的賀年卡。Eno受到啓發，創作並推出了1974年的《智取威虎山》Taking Tiger Mountain (By Strategy)。這也是Eno創作史上又一次對自由體抽象波普音樂的嘗試。1975年，Eno遇上了車禍。在臥牀修養的數月中，Eno帶來了一次最具重要意義的音樂創新---氛圍音樂(Ambient Music)。躺在病牀上的他想用音樂的聲音蓋過暴風雨的喧囂，但是卻不能起身。靈感的火花就在這時點燃：Eno意識到音樂也可以擁有與光和色同樣的屬性，它可以融入特定的氛圍，但卻不會擾亂背景的平衡。基於這樣的認識，Eno在1975推出了簡約風格的Another Green World，此後，他全身心地投入到氛圍音樂的創作。後來，他又帶來了新的器樂發明：Discreet Music，這亦是他實驗十部曲系列的第一章節。
Michael Nyman
也許更多的時候Michael Nyman是作爲一個原聲配樂家出現的，但他也是一個氛圍音樂的好手，很多人都是從那部《The Piano》的配樂開始瞭解即而喜愛上了Michael Nyman，或者還是不知道Michael Nyman是何許人，但就是喜歡那張OST。但我以爲《The Piano》並不是他創作的電影原聲中最好的一張，或者說，不能代表他的音樂創作理念。巧的是，雖然這張OST在當年賣出了幾百萬張的天文數字，但卻在爭奪奧斯卡最佳配樂獎時輸給了John Wiliams的《辛德勒的名單》，可以說是有得必有失的又一個例證。說起John Wiliams，也算是個骨灰級的配樂大師，但我不怎麼喜愛他，手頭有的《大地雄心》、《刺殺肯尼迪》、《尼克松》等唱片，但都不知在哪個角落沉睡着了，對了，還有《沉睡者》，一樣的遭遇。
說回Michael Nyman，《The Piano》中雖然也有絃樂，主角是鋼琴，畢竟故事是以鋼琴及其女主人公展開，絃樂方面相對弱了許多，但這也不是最主要的。因爲以音樂的形態而言，《The End of The Affair》、《Gattaca》、《The Cook，the Thief，His Wife and Her Lover》更接近於Michael Nyman的極微主義（又稱極簡主義）理念。這裏又涉及到一個新的音樂類型，他也是極微主義的代表人物之一了，這裏就不展開了。
