第一次看到葉鴻平的花鳥作品，是在他的工作室，是畫面上一支寒梅，走筆流暢自如，滿紙水氣氤氳，虛虛實實的用筆強調對象的骨氣，每一根線條，每一處墨痕彷彿都是一種自然的水到渠成。後來，陸陸續續讀到他的作品，無論是在畫廊還是展廳，還是會所的裝置，遠遠地站在遠處，一眼就能辨明。能創造出一種獨特的個人藝術語彙，是每一位畫家都夢寐以求的境界，葉鴻平以其率真曠達的個性和別具一格的視野，不光擁有屬於自己的表達語言，還能保持稚子一樣的情感，觀察，思考和表達，自由暢達，讓人動容！他長期研習八大山人、吳昌碩、潘天壽、李苦禪等大師畫作，併爲之神往。人品、氣韻、生動，非一朝一夕可得，全憑甘於寂寞和沉浸其中的點滴積累。他師古而不泥古，通過嬗變形成自己獨特的繪畫風格。執筆無定法，虛實在心間。正是這些豐富的營養滋育了一位偉大的畫家。他以極少的筆墨、獨特的藝術語言、人格化的藝術形象和新奇的構圖，表達自己的內心主觀情感，借物抒情，以實現形式與內容的高度統一。以書入畫，以畫作書，用筆瀟灑，奔放靈動，極富張力，縱橫奇逸，有視覺衝擊力。妙就妙在“有意無意之中”，在“亂而不亂”之中給人以妙手偶得、趣味盎然的快感，此種“不掩國色”的“原生態”效果，應該就是人們說的“耐看”的原因所在。
王羲之的《蘭亭序》就是酒後的即興創作。葉鴻平喜歡酒後微醺，執筆作畫，在情感驅動下，水墨交融，如夢如幻。畫中，你可以感受到切切實實的情感世界，那麼自由、舒展、酣暢、熱情和痛快，出神入化、富有詩意，那是生命的迸發，有限的畫面裏營造出無限的審美空間，充滿鮮活的生命氣息，洋溢着清新富麗的現代詩情。在用色上。他太大膽了！“隨類賦彩”。冷，就冷得徹骨，熱就熱得奔放，極度的鮮明和迸發的激情，是他的畫最令人稱道的地方和最有學術意義的價值所在。
鴻平愛貓。友人白磊，蘇大藝術學院陶瓷系教授，喜歡園林，不知是不是循着園林他來到蘇州。白磊家中小小的一處庭院，有石，有池，有花木，江南雨多，滋潤天地，魚兒嫋嫋，花草蔥蘢，別有味道。泥有脾氣，他有心。在白磊眼裏，陶器和瓷器本身具有原始生命力，經他的手，讓泥土站立了起來，陶瓷藝術是人和泥的對話，是一場輕鬆的遊戲和交流，經由火，織綴着歷史、政治、經濟、審美心理和哲學思想等時代花紋。高古陶器，陶器立於母系氏族男女分工的社會秩序，魏晉南北朝，陶器“竹林七賢”磚畫，是動盪時代文人用恣意放縱來爭取心靈的自由。唐三彩，那是對生的留戀和對死的寄託，是大唐盛世，是開放包容。“天青色等煙雨”的宋朝，“重文”，瓷器如同被日常滋養、像愛情一樣被滋潤。到元青花，瓷胎和釉色大變，民族融合，那是蒙古族對海洋和天空的崇拜。明朝鬥彩，雞缸杯，浸潤男女之間超越年齡和階層的愛情。清代，瓷器繽紛多彩，代表那一時代的審美。從景德鎮走出來，白磊明白陶土對於自己的意義，那是一種錯綜複雜的世界中的安全感。生活中，他並沒有嚴格意義上的“陶瓷以外時間”。站在貌似冰冷的泥土後面，是一個有着足夠想象力，和對社會萬物充滿熱忱和期望的靈魂，泥既可以隨意地自然，也可以刻意地生動。陶器作品中，我們能明顯感受大地的肌理，樸拙，突破與包容，自在和豁達。瓷之大美，溫潤優雅，亭亭而立。除了展覽、講學，他要麼在工作室觸摸泥土，然後看着他們浴火重生，僻靜的他像是一隻安靜的瓷器，居於角落，把生活養成一支花放進幽深的瓶中，安靜綻放，用盡生活的全部力氣保持美的姿態，令人感動。
和葉鴻平繪畫一樣，白磊的作品是自然而然。沒有條條框框，從不矯揉造作，表現出的那種自然、奔放、質樸、真實的風格，是純正的生活風格。陶器的拙樸本就在於渾然天成，道法自然，尋常之美。那是追求超越之後的尋常，突破之後的迴歸，沉靜樸素，安定人心。跟隨天然之道，與火焰的相遇，突破和超越，就像人生的淬鍊。拒絕約定俗成的藝術標準，天意、偶然，隨興，似好非好，似有意而又無意，最終呈現陶的原生命力。而瓷器的安靜美好，讓人感受生活的寧靜，生命的感動。
寫意寫心，筆墨難寫是精神，葉先生的筆墨寫出自我，照見熱情，開朗誠實，大家風範。白磊的陶藝充滿了對傳統藝術的叛逆、對自由創造的嚮往，可能是人類原始的本能，是一種對天真和自由的嚮往，是追求個性的張揚和自我情感的表現。 平白之約，江南怡園，繪畫與陶瓷之約，妙也。
遠處傳來，牡丹亭《尋夢》一折，杜麗娘一句清麗悠遠的唱詞，“卻原來，我一生所愛是天然”。