在以埃及为代表的的早期艺术中，追求造物行动本身比「写真」更为重要，创造甚于描绘。直到古希腊时期，人们才开始努力刻画眼睛所见真实事物的样子。这实际上也是制像的过程，先制作出一个形象，再去进一步加工，以贴近现实中的事物。贡布里希将其总结为「先制作后匹配，先创造后指称」。
有一种艺术起源的观点正是如此。那些画下洞穴壁画的原始人，很可能是先看到岩石上自然形成的斑纹和阴影像某种动物，进而对其进行修改补充，成为人工所绘的图像。
这一时期制像大都带有很强的目的性，通常与祭祀、巫术有关，因此图像和实物在功能上的相似性要强于样貌上的相似性。人们制作图像是为了代替实物产生作用，如在古埃及的壁画中，完整性比真实性更重要，因此侧视图中也要画出正面视角的两个手臂。这种目的也限制着创作者的想象力，他最需要做的是区分，就如埃及壁画中用深浅不同的肤色来区分男女，而这并不意味着人物的真实肤色就是这样。
这就是概念性艺术，画面成为一种象征符号，具有类似文字的特征，用来指明某种意义，而非展示带有戏剧性的叙事。它描绘的不是一个个瞬间，而是永恒不变的轮回。
而到了古希腊时期，一项伟大的革新发生了，人们竟然开始在艺术中模仿自然。这种今天我们觉得习以为常的事情（这也是现代人的一种心理定向），在当时确实是很新奇的。这在柏拉图的论述中就可见一斑。
柏拉图认为理念是最真实的东西，而描绘从某个角度看到的事物，只是它的「形相」（appearance），是虚幻的、不完整的。这种写真是用幻觉引导我们远离真理，与理性相斥，因而应当被清除。因此他推崇埃及那种概念化的风格，因为里面包含了恒常不变的理念。
我设想，同一大小近看和远看显得不同。——嗯，是不同，——同样的东西在水里看和在水上看曲直是不同的，或者由于对颜色所产生的同样的视觉错误，同样的东西看起来凹凸也是不同的。并且显然在我们心里也常常有这种混乱。使用布景画（scene-painting）就是利用人本身的这个弱点来产生它的魔力，幻术之类的玩意儿也是如此。
可见，在当时模仿自然的创作还是很新颖的手法，因此也遭到了不少批评。
而在早期的希腊艺术中，即古风时期，我们确实还能看到很多埃及风格的影子。相对于古埃及，一些雕塑虽然有了变化，但仍然保持着固定的姿势和略显呆滞的表情。
在当时地中海区域，概念性艺术大行其道。而到希腊古典时期出现的转向自然主义的变化是一个大大的例外，称其为「奇迹」也未尝不可。
首先还是要澄清下，古代人「画得不像」并不像一些人认为的是认知和技术手段的问题，而着实是观念的问题。古埃及人对自然的观察其实是很细致的，一些描绘植物的图像可以证明。另外在描绘地位较低的人的图像时，有很多是违反经典图式的，例如在壁画中也出现了正面面向观者的人物，身姿灵动自如，在雕塑上也有很写实的作品。只是这些并非当时的主流，这有点类似进化论的「适者生存」，偏向自然主义的作品留存并不多。
那希腊人为何会进行如此大的变革呢？这与希腊文化，尤其是神话与戏剧有关。在神话与诗中，真与假并不绝对，留下了可供想象力发挥的朦胧地带。在荷马史诗这样的作品中，有许多细节描写，有其真实的一面，也带有更多想象的虚构。这种对细节的描摹与想象，也影响到了艺术创作。人们除了追求图像的主题之外，也开始描绘事情是怎样发生的，即从 what 到 how 的转变。
在对这些细节的想象中，创作者的自由开始生发，脱离标准的图式，艺术开始营造梦境的虚像王国。在原来的目的之上，希腊艺术加上了新的追求：再现自然，让图像变得令人信服。
短缩法和明暗对比出现，创作者们开始聚焦空间与光线，这些技法贯穿了之后很长一段时间的艺术史。观者也得以在这些「真实」的绘画中，体会到画中人物的情感与内心。
当然，这种变化牺牲了画面的完整性，尽管今天的我们会觉得这并没什么问题。而当心理学家们给澳洲土著看各种鸟的图画时，发现他们并不喜欢不完整的图像，比如为了表现透视效果而略去鸟脚的那些画。这再次说明，概念性艺术与自然主义艺术的差异，在于功能与观念。
随之而来，画开始被视作装饰品，出现在当时许多住宅和花园中。艺术的审美价值，开始被人们重视。
当然，古希腊这种自然主义的转向仍然带有旧日形式的影子，其内容也多以人物为主。但重要的是，希腊人的这种试验在对概念性图式的矫正上迈出了重要的一步，由此启发了许多后来的创作者，也开启了对真实再现与和谐构图之间平衡的长久探索。